“La creatividad es el proceso de tener ideas originales que tienen valor. Es un proceso; no es al azar.” – Ken Robinson.

Publicado 7 Dec 2017, 5:50 pm

“EL FUNDAMENTO DE LA MÚSICA.” PARTE 17.

CULTURA VISUAL VERSUS CULTURA ACÚSTICA.

El concepto de soporífero musical , sin embargo, no funciona en todas partes. No todas las actividades mejoran añadiéndoles una banda sonora. Yo no puedo escuchar música mientras escribo esto, pero tengo amigos que tienen música puesta continuamente en sus estudios, mientras pintan, trabajan con Photoshop o diseñan web’s. Pero la música atrae siempre mi atención. Un estudio reciente afirma que la música entorpece el trabajo analítico, pero puede estimular el creativo. Supongo que depende del trabajo creativo y de qué tipo de música estemos hablando.

NO MÚSICA.

En 1969, la UNESCO aprobó una resolución que definía un derecho humano del que no se habla demasiado: el derecho al silencio. Creo que se refieren a lo que ocurre cuando ponen una fabrica ruidosa o un campo de tiro al lado de tu casa, o si una discoteca haber abajo de tu apartamento. No significa que puede pedir que quiten los temas clásicos de rock que suenan en un restaurante, o que puedas ponerle un bozal al tipo que tienes al lado hablando a gritos por el teléfono celular en el tren. Es una idea atractiva, no obstante: a pesar de nuestro innato temor al silencio absoluto, deberíamos tener

Los tecnólogos de Musak pensaron que tenían la solución para este problema de productividad: aplanarían esas curvas usando música.

derecho al esporádico descanso auditivo, para experimentar, aunque sea brevemente, un momento de aire sónico fresco. Tener un momento de meditación, un espacio para aclararse las ideas, es un bonito concepto de derecho humano.

Cage escribió un libro titulado, algo irónicamente, Silence. Irónicamente porque Cage se estaba haciendo cada vez más notorio por el ruido y el caos en sus composiciones. En una ocasión afirmó que el silencio no existe para nosotros. En su propósito de experimentarlo entró en la cámara anecoica de Bell Labs, una sala aislada de todo sonido exterior, con paredes diseñadas para inhibir la reflexion de sonidos. Un espacio acústicamente muerto. Los pocos momentos oyó un ruido y un zumbido, y le explicaron que era el latido de su corazón y el sonido de su sangre fluyendo por sus venas y arterias. Sonaban más fuerte de lo que él esperaba, pero bueno. Un poco después oyó otro sonido, un silbido agudo, y le explicaron que era su sistema nervioso, entonces Cage se dio cuenta de que para los seres humanos no hay tal cosa como silencio absoluto, y esa anécdota se convirtió en su forma de explicar su decisión de, en lugar de luchar por contener los sonidos del mundo, compartimentos la música como algo externo al ruidoso e incontrolable mundo de sonidos, dejarlos entrar: «Dejar que los sonidos sean ellos mismos, y no el vehículo de teorías artificiales o expresiones de sentimientos humanos». Al menos conceptualmente, el mundo entero se convirtía así en música.                .         

      

Continuará …     

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Biografia.

Muzak es una marca de música de fondo que se reproduce en tiendas minoristas y otros lugares. En 1981, Westinghouse compró la compañía y la dirigió hasta que la vendió a la Fields Company of Chicago, editora del Chicago Sun-Times, el 8 de septiembre de 1986. Anteriormente, Muzak Holdings la adquirió en 2011 por Mood Media en un trato por valor de US $ 345 millones..

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“Si no estás preparado para equivocarte, nunca se te ocurrirá nada original”. – Ken Robinson.

Publicado 30 Nov 2017, 8:53 am

“EL FUNDAMENTO DE LA MÚSICA.” PARTE 16.

CULTURA VISUAL VERSUS CULTURA ACÚSTICA.

Bing Muscio (¡es real el nombre!), de la empresa Musak, decía que su compañía producía música para ser oída, no escuchada, hubo un momento en que Musak era la mayor cadena musical del mundo. Tenia al menos cien millones de oyentes o de no oyentes, si prefieren que lo diga así agrega David. Aunque ya no tenemos Musak tradicional de la que quejarnos, su concepto fue ingenioso. Sus inventores observaron que a los expertos en eficiencia que se habían ido infiltrando en el lugar de trabajo norteamericano les preocupaba el hecho de que los trabajadores estaban bien despiertos en algunos momentos de la jornada, pero solían tener un bajón a media tarde. Los jefes querían una gráfica plana, un flujo de trabajo constante y eficiente durante todo el día, esto nos lleva otra vez a la idea de Ken Robinson y Tom Zé el capitalismo industrial como productor de maquinas humanas. Los tecnólogos de Musak pensaron que tenían la solución para este problema de productividad: aplanarían esas curvas usando música. Harían sonar música tranquila en las horas más activas, y luego programarían música algo más

Los jefes querían una gráfica plana, un flujo de trabajo constante y eficiente durante todo el día, esto nos lleva otra vez a la idea de Ken Robinson y Tom Zé el capitalismo industrial como productor de maquinas humanas.

enérgicamente, para sacar a los trabajadores del bajon. La gente creyó que funcionaba.

En lugar de adquirir derechos de grabaciones ya hechas para ponerlas en las tiendas y los lugares de trabajo suscritos a su servicio, tal como suele hacerse en la actualidad. Musak contrataba músicos para que tocaran canciones conocidas y piezas instrumentales de manera que la música fuese intencionadamente no escuchada. El rango dinámico (los cambios en nivel de volumen), e incluso los tonos más agudos o mas graves, se suavizaron. Era como si Musak hubiera despojado de alma a las canciones, pero de hecho había creado algo nuevo, algo parecido a lo que Satie imaginó: música mobiliario, música que era claramente util y (para sus abonados) una parte funcional del ambiente, puesta allí para inducir calma y tranquilidad en las tiendas y oficinas. ¿Por qué las composiciones de Satie, la música de Brian Eno, o la obra espaciada minimalista de Morton Feldman parecen estar bien vistas, mientras que la de Musak se considera aborrecible? ¿ Es simplemente porque Musak altera canciones ya conocidas por todos? Creo que es por otra cosa. El problema es que esta música esta pensada para embotar tu conciencia, como si le administrase un tranquilizante por la fuerza. Por supuesto no todo el mundo puso objeciones: Anuncio Paulo Montovani grabó una serie de exuberantes álbumes con abundancia de cuerdas, promocionados como «música hermosa»,  y fue el primer artista que vendió un millón de discos en estéreo.        .               

Continuará …     

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Biografia.

Sir Kenneth Robinson (nacido el 4 de marzo de 1950) es un autor británico, conferencista y asesor internacional sobre educación en las artes para organismos gubernamentales, sin fines de lucro, educación y arte. Fue Director del Proyecto de Artes en las Escuelas (1985-89) y Profesor de Educación Artística en la Universidad de Warwick (1989-2001), y ahora es Profesor Emérito en la misma institución. En 2003 fue nombrado caballero de servicios para el arte.

Originalmente de una familia de la clase trabajadora de Liverpool, Robinson ahora vive en Los Ángeles con su esposa e hijos.

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“El péndulo de la mente se alterna entre el sentido y el sinsentido, no entre el bien y el mal.”~ Carl Jung.

Publicado 17 Nov 2017, 12:46 am

“EL FUNDAMENTO DE LA MÚSICA.” PARTE 14.

CULTURA VISUAL VERSUS CULTURA ACÚSTICA.

Agrega David Byrne: 

Lei recientemente en el New York Times un breve articulo sobre un niño de nueve años llamado Matthew Whitaker, que nació prematuramente tras solo veintitrés semanas de gestación, con poco más de novecientos gramos de peso. Ha sido siempre invidente, y todos los sábados viaja a Nueva York desde su hogar en Hackensack, Nueva Jersey, y se pasa el día entero en clases de música. Toca siete instrumentos.

«Lo oye todo como música —decía su padre, Moses Whitaker—. La maquina de fax suena como un la. La fotocopiadora es un si bemol. Los martillos neumáticos hacen el ritmo de percusión que le gusta». cuando el metro retumba, Matthew da golpecitos con su bastón en el suelo, para producir el ruido. El chaval arrea con la ciudad; con los coches rápidos y los charlatanes. Cuando se le pide que describa Nueva York, se levanta y gira sobre si mismo, trazando con los dedos extendidos un circulo de 360 grados entero a su

Ilustración de la estructura del infierno según la Divina comedia de Dante Alighieri, por Sandro Botticelli (entre 1480 y 1490). De acuerdo a Carl Gustav Jung, el infierno representa en todas las culturas el aspecto perturbador de lo inconsciente colectivo.

alrededor. «La ciudad de Nueva York es un circulo de sonidos —dice Matthew—. Hay música en todas partes. Todo el mundo tiene una sonrisa en la cara. Es musical, es oscuro y muy hermoso.

Lo que Matthew describe es una especie de reencantamiento del mundo. Por supuesto que esas partes mágicas e inexplicables del mundo no se esfumaron del todo, sino que, tal como Freud y Jung argumentaron, se filtraron y siguieron activas en nuestro inconsciente, influyendo en todo lo que hacemos, y emergen de vez en cuando en diferentes formas. Esto puede suceder a través de leyendas urbanas, sesiones fotográficas de inspiración gótica, fábulas, pelis de terror, monstruos de dibujos animados japoneses, música experimental, o por el poder de las canciones de pop y las teatrales y ritualizadas maneras en que los cantantes las interpretan. Nos fascina y nos atrae lo que la ciencia no puede explicar —lo extraordinario, lo misterioso, las cosas  que nos afectan sin palabras, y la música alude a esos misterios y emana de ellos; nos conecta de nuevo con ese pasado de encantamiento.

 Freud y Jung: Lo inconsciente colectivo es un medio acuñado por el psiquiatra suizo Carl Gustav Jung, quien postuló la existencia de un sustrato común para los seres humanos de todos los tiempos y lugares del mundo, constituido por símbolos primitivos con los que se expresa un contenido de la psique que está más allá de la razón. Según indicó su propio autor; el concepto, más allá de su denominación propia del campo de la psicología, es similar a otros que se presentan en el trabajo de Lucien Lévy-Bruhl, Henri Hubert y Marcel Mauss y Adolf Bastian. De acuerdo a Carl Gustav Jung, el infierno representa en todas las culturas el aspecto perturbador de lo inconsciente colectivo.    

     

Continuará …     

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“El Medio Es El Mensaje.”~ Marshal McLuhan.

Publicado 9 Nov 2017, 1:13 pm

“EL FUNDAMENTO DE LA MÚSICA.” PARTE 13.

CULTURA VISUAL VERSUS CULTURA ACÚSTICA.

En una de sus conocidas propuestas, Marshal McLuhan sugería que, después de la Ilustración y de la revolución científica, cambiamos de una cultura acústica a una cultura visual. Decía que en una cultura acústica, el mundo como sonido, te envuelve por todas partes y llega a ti desde todas las direcciones a la vez. Tiene múltiples capas y no sigue una jerarquía; no tiene centro ni punto focal. La cultura visual tiene perspectiva; un punto de fuga una dirección. En la cultura visual, una imagen esta en un lugar fijo muy concreto: está delante de ti. No esta en todas partes a la vez.

McLuhan afirma que nuestro sentido visual empezó a estar cada vez más bombardeado por todo lo que producimos. Empezó a predominar sobre nuestro sentido auditivo, y añade McLuhan que como consecuencia de ello cambió nuestra idea y vision del mundo. En un universo acústico, uno aprecia esencia, mientras que en un universo visual ve

McLuhan afirma que nuestro sentido visual empezó a estar cada vez más bombardeado por todo lo que producimos.

categorías y jerarquías. McLuhan afirma que en un universo visual uno empieza a pensar de manera lineal, en cada cosa una detrás de otra en una linea temporal, en lugar de existir todo a la vez, en todas partes y en todo momento. Una pared que te tapa la vista puede borrar la presencia de un hombre que grita del otro lado, pero oyes todo lo que ocurre a tu alrededor —a derecha, a izquierda, delante, detrás—, incluso lo que ocurre detrás de una pared, como ese hombre que grita. Tendemos a minimizar la influencia de algunos de nuestros sentidos, especialmente el del olfato, en parte porque porque puede actuar en nuestro subconsciente, en parte porque no tenemos palabras para definir la infinidad de olores que nos llegan a diario.

Nuestra forma de imaginar lo que nuestros sentidos hacen está incluida por nuestros criterios culturales, así como por la manera en que nuestro lenguaje limita nuestra percepción. Lo que llamamos simplemente sentido del tacto incluye en realidad órganos sensoriales separados por la vibración, la textura, la temperatura y el movimiento, cada uno de los cuales podría haberse clasificado como sentido diferenciado si nuestra cultura lo hubiera considerado importantes. El pueblo hausa africano solo identifica dos sentidos: ver y sentir. El sentido de la percepción incluye la intuición (¿porqué no incluimos nosotros este sentido también?), la emoción el olfato, el tacto y el oído. Los esquimales de aivilik, que viven al nordeste de Labrador, no perciben el espacio en términos visuales como nosotros (posiblemente porque su entorno visual esta casi desprovisto de rasgos distintivos y puntos de referencia); conciben el espacio haciendo referencia a otros sentidos.

Continuará …     

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Biografia:

Herbert Marshall McLuhan, CC (21 de julio de 1911 – 31 de diciembre de 1980) fue un profesor, filósofo e intelectual público canadiense. Su trabajo es una de las piedras angulares del estudio de la teoría de los medios, además de tener aplicaciones prácticas en las industrias de la publicidad y la televisión. Estudió en la Universidad de Manitoba y la Universidad de Cambridge; comenzó su carrera docente como profesor de inglés en varias universidades de los Estados Unidos y Canadá antes de mudarse a la Universidad de Toronto, donde permaneció por el resto de su vida.

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“Sanación Musical es Contexto Cultural”~ Penelope Gouk.

Publicado 2 Nov 2017, 3:27 pm

“EL FUNDAMENTO DE LA MÚSICA.” PARTE 12.

La Gran Decepción.

Penelope Gouk, de la Universidad de Manchester, escribió un maravilloso ensayo titulado «Raising Spirits and Restoring Souls: Early Modern Medical Explanations for Music’s Effects» [« Levantando el espíritu y restableciendo el alma: explicaciones médicas alto modernas a los efectos de la música»]. Por «altomoderno», Gouk quiere decir finales del siglo XVII. En esa época empezaba a asentarse una idea más moderna y científica del universo. El método científico, con sus ensayos y demostraciones, no dejaba espacio —o eso pretendían— para la Armonía de las esferas los espíritus armónicos etéreos. La música tenia que ser explicada por la ciencia; era un síntoma de algo mayor, de algo científico que describiría cómo funciona el mundo físico. Ya no se consideraba la música como motor que lo mueve todo. Lo que novia la música era la física del universo. El universo ya no estaba hechizado y el omnipotente lugar de la música habla sido usurpado por la ciencia.

Ella adopta los métodos de la geografía social para discutir la superposición disciplinaria, social e intelectual de la música, la ciencia y la magia natural.

Los rituales religiosos que en un principio habían proporcionado una razón para la notación de la música empezaron a ser desdeñados también. La ética protestante y la ilustración consideraban superfluo el ritual, tanto el social como el religioso. Muchos rituales fueron postergados, y con mucha música. Pero a la gente le gustan, e incluso necesita, los rituales. Las necesidades no cubiertas de humanidad pedían satisfacción, y la gente acabó encontrando la salida de un entonces nuevo ritual secular y social del que la música formaba parte también. El primer concierto público tuvo lugar en Londres en 1672. Fur organizado por un compositor y violinista llamado John Banister, poco después de ser expulsado de la Banda Real. La entrada costaba un chelín y el publico podia hacer peticiones. ¿Quién osaría afirmar que los conciertos —en salas de ópera, cabarets, clubs de rock o festivales al aire libre—no son rituales? Todos tienen su propia y muy especial serie de conductas prescritas; curan y consagran lazos comunitarios. El ritual asi preservado bajo otro nombre.

El papel de la magia natural en el surgimiento de la ciencia experimental del siglo XVII ha sido objeto de viva controversia durante varias décadas. Ahora Penelope Gouk introduce un nuevo elemento en el debate: cómo la música medió entre estos dos dominios. Argumentando que la práctica musical cambiante en la Europa del siglo XVI afectó el pensamiento inglés del siglo diecisiete sobre la ciencia y la magia, mapea las diversas relaciones entre estas disciplinas aparentemente separadas.

Gouk explora estas relaciones de varias maneras. Ella adopta los métodos de la geografía social para discutir la superposición disciplinaria, social e intelectual de la música, la ciencia y la magia natural. Ella da un recuento histórico del surgimiento de la acústica en la ciencia inglesa, la física armónicamente basada de Robert Hooke, y la posición de los armónicos dentro de la transformación de Newton de la filosofía natural. Y ofrece una galería de imágenes en la que las representaciones contemporáneas de instrumentos, prácticas y conceptos demuestran la forma en que los modelos musicales informaron y transformaron los de la filosofía natural. Gouk muestra que a medida que las características “ocultas” de la música se volvieron sujetas a la nueva ciencia de la experimentación, y cuando sus causas se hicieron evidentes, la magia natural fue empujada fuera de los dominios del discurso científico.

Continuará …     

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Biografia:

Historiador, interesada en la música y sus efectos en las personas en diferentes momentos y lugares. Violinista en La Sale Chamber Orchestra..

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“La multitarea es un mito.”~ Daniel Levitin.

Publicado 26 Oct 2017, 1:17 pm

“EL FUNDAMENTO DE LA MÚSICA.” PARTE 11.

Música y Ritual.

La música ritual ha de ser repetida de la misma manera, en más o menos idénticas circunstancias, cada vez que se lleva a cabo el ritual. Si lo haces bien, estás, se supone, en consonancia con las pautas y el orden del universo, pero ¡ay de ti si metes la pata! Según los textos sagrados hindús, el canto correcto de una raga puede resultar fatal para el cantante. Los chamanes apaches corrían el mismo riesgo si desafinaban. En Polinesia, un intérprete descuidado puede ser ejecutado. En el contexto de un ritual, no hay concepto de creación «original» de una pieza de música, de un compositor, de una primera interpretación. Se considera que tal música ha estado siempre ahí, que existe ajena a la historia, como un mito. Nuestra tarea como intérpretes y participantes es simplemente mantenerla viva. En este sentido, la música y los rituales son parte de lo que mantiene el mundo en movimiento.

Por lo que sabemos, el sonido de una interpretación de la música de Mozart en su época sonaría más o menos intolerable a nuestro oido.

El apremio por la notación musical, especialmente de la música que iba a ser usada en rituales, surgió naturalmente de una necesidad de poder ejecutarla con absoluta precisión antes de interpretarla para los dioses; la música tenía que ser tocada correctamente, y de la misma manera cada vez. La música escrita es así un medio util para mantener la continuidad, pero puede también reprimir el cambio y la innovación. El estricto ordenamiento de la música fue originalmente un derivado del control teocrático e incluso politico. La notación musical es bastante precisa, pero es  también imperfecta, no es un «registro» exacto de una pieza musical. En cualquier clase de notación se pierden muchos matices de expresión, textura o emoción, que son imposibles de transcribir. Sin embargo, si los símbolos y las notas escritas van acompañados de instrucciones orales y algunos ejemplos y explicaciones físicas, uno puede imaginarse que esa música ritual podría mantenerse igual y ser transmitida intacta en su mayor parte. Se la supone curativa; su ingrediente social y espiritual se mantendría. Pero si ese hilo didáctico se rompe, sí lo único que queda es música escrita, entonces habra muchas conjeturas que hacer, y el legado transmitido puede acabar pareciéndose poco o nada al original. Esa imprecisión no es mala para la música, pero no sirve al interés de las autoridades. Por lo que sabemos, el sonido de una interpretación de la música de Mozart en su época sonaría más o menos intolerable a nuestro oido, podemos tocar las mismas notas, pero hemos modernizado las piezas de Mozart y muchas otras formas musicales, para hacerlas aceptables a la sensibilidad contemporánea. Hasta los instrumentos mismos han cambiado; y en muchos sentidos esto es lo que ha permitido que la música sobreviva y siga teniendo cierta difusión. De manera parecida, apartar la música litúrgica de su latín original —una lengua que ya casi nadie entiende— le quita algo de su poder y su misterio. Cuando los himnos son escritos en lenguas que todo el mundo habla, la iglesia pierde inevitablemente algo de su poder cósmico.

Continuará …     

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“La música preparó a los prehumanos para la comunicación del habla y para convertirse en humanos”. – Daniel J. Levitin.

Publicado 19 Oct 2017, 1:34 pm

“La música puede ser la actividad que preparó a nuestros antepasados prehumanos para la comunicación del habla y para la muy cognitiva, representación necesaria para convertirse en humanos”.

– Daniel J. Levitin, Este es tu cerebro en la música: la ciencia de una obsesión humana

“EL FUNDAMENTO DE LA MÚSICA.” PARTE 10.

¿ME SIENTES?

Esas conexiones emocionales ayudarían a explicar por qué la música tiene tan profundo efecto en nuestro bienestar psicológico. Podemos usarla musica(o, para mejor o peor, otros pueden usarla) para regular nuestras emociones. Podemos estimularnos (o estimular a otros), o calmar a otros ( o a nosotros mismos.) Podemos usar la música para integrarnos en un equipo, para actuar en concordia con un grupo. La música es un

Cualquiera que quiera comprender la naturaleza humana, la interacción entre el cerebro y la cultura, entre la evolución y la sociedad, tiene que echar un vistazo de cerca al papel que la música ha tenido en la vida de los humanos. ~ Daniel Levitin. El mundo en seis canciones (2008).

cohesionador social: une familias, naciones, culturas, comunidades, pero pueden separarlas tambien. Por mucho que la música parezca a veces una fuerza positiva, puede también utilizada para inflamar el orgullo patrio, avivar el belicismo. Es aplicable a

comunidades y naciones, pero es también un telégrafo cósmico que nos conecta a un mundo más allá de nosotros mismos, a un invisible ámbito de espíritus, de dioses, e

incluso almendro de los muertos. Nos puede beneficiar fisicamente o hacernos daño terrible. Tiene tantos y tan diferentes efectos en nosotros mismos en nosotros que uno no puede simplemente decir “me gusta todo tipo de música”  ¿ De verdad?  ¡hay formas de música diametralmente opuestas unas a otras! No pueden gustarte todas. No siempre, por lo menos.

Música y Ritual.

La música aparece en la mayoría de las ceremonias religiosas y sociales de todo el mundo. El etnomusicologo Alan P. Merriam  señala que la organización social de la vida de las comunidades está marcada en casi todo momento por canciones: canciones de cumpleaños, canciones de cuna, canciones para aprender a ir al baño ( ¡me encantaría oírlas! ), canciones de amor, canciones de bodas, canciones de clan, canciones de funeral, etcétera.  Un indio Zía del pueblo del norte de Nuevo Mexico dijo: “Sin música no puedes hacer nada, amigo”. Sin música el tejido social mismo se rasgaría y los vínculos entre nosotros se desmoronarian.

Continuará …

Continuará …     

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Biografia:

Daniel Joseph Levitin, FRSC (nacido el 27 de diciembre de 1957) es un psicólogo cognoscitivo estadounidense-canadiense, neurocientífico, escritor, músico y productor discográfico. Él es  profesor emérito de psicología de James McGill, y neurociencia conductual en la Universidad McGill en Montreal, Quebec, Canadá, con citas de cortesía en teoría de la música, ciencias de la computación, neurología y neurocirugía y educación. Es Decano Fundador de Artes y Humanidades en The Minerva Schools en KGI, y Profesor Distinguido de Facultad en la Haas School of Business, Universidad de California en Berkeley. De 2000 a 2017, fue Director del Laboratorio de Percepción de la Música, Cognición y Experiencia en McGill. Su charla TED se ha visto más de diez millones de veces. Es miembro elegido de la Asociación Americana para el Avance de la Ciencia, miembro de la Asociación de Ciencias Psicológicas y miembro de la Royal Society of Canada (FRSC). Ha aparecido frecuentemente como comentarista invitado en NPR y CBC.

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“La música es parte del ser humano. ”~ Oliver Sacks, Musicophilia: Cuentos de la música y el cerebro.

Publicado 12 Oct 2017, 12:59 pm

“EL FUNDAMENTO DE LA MÚSICA.” PARTE 9.

¿ME SIENTES?

Tal como se pueden imaginar, el sistema neuronal reflejo se activó en los músicos examinados, pero sorprendentemente, se activó en los no músicos también. El grupo de la UCLA sostiene que todos nuestros medios de comunicación —auditivos, musicales, lingüísticos, visuales— tienen actividades motoras y musicales en su raíz. Leyendo e intuyendo esas actividades motoras conectamos con las emociones subyacentes. Nuestro estado físico y nuestro estado emocional son inseparables: al percibir uno, el observador puede deducir el otro.

Melodic intonation Therapy es el nombre de un conjunto de técnicas terapéuticas basadas en ese descubrimiento. Oliver Sacks.

La gente baila con la música, y los reflejos neuronales podrían explicar por qué oír música rítmica nos incita a vernos, y a movernos de maneras muy concretas. La música, más que muchas de las artes, activa una multitud de neuronas. Multiples regionales del cerebro que se disparan al oír música: musculares, auditivas, visuales, lingüísticas. Por esto algunas personas que han perdido completamente su capacidad de lenguaje pueden aún articular un texto cantándolo. Oliver Sacks escribió acerca de un hombre con una lesion cerebral que descubrió que para llevar a cabo sus rutinas cotidianas podia arreglárselas cantando, y sólo así era capaz de completar  areas sencillas como vestirse. Melodic intonation Therapy es el nombre de un conjunto de técnicas terapéuticas basadas en ese descubrimiento.

Ademas, las neuronas reflejo son adivinatorias. Cuando observamos una acción, una postura, un gesto o una expresión facial, nos hacemos una idea precisa, basada en nuestra experiencia pasada, de lo que va a suceder a continuación. Algunos aquejados del síndrome de Asperger quizá no puedan intuir tan bien como otros todos esos significados, pero estoy seguro que no soy el único que ha sido acusado de no captar lo que para otros son pistas o señales obvias. Pero la mayoría de la gente capta por lo menos un gran porcentaje de ellas. Quizá nuestro innato amor por la narración tiene cierta base adivinatoria neutral; hemos desarrollado la capacidad de intuir hacia dónde se dirige una historia. Lo mismo con una melodía. Percibimos las subidas y las bajadas emocionalmente relevantes de una melodía, las repeticiones, los crescendos, y nos hacemos expectativas que serán confirmadas o ligeramente redirigidas dependiendo del compositor o del interprete. Tal como señala el investigador de la ciencia cognitiva Daniel Levitin, un exceso de confirmación —cuando algo ocurre exactamente como la vez anterior— hace que nos aburramos y nos desconectemos. Las pequeñas variaciones nos mantienen alerta, y sirven también para atraer la atención en momentos musicales cruciales en la narración.      

Continuará …     

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Biografia:

Oliver Wolf Sacks, CBE, FRCP (9 de julio de 1933 – 30 de agosto de 2015) fue un neurólogo británico, naturalista, historiador de la ciencia y autor. Nacido en Gran Bretaña, y sobre todo educado allí, pasó su carrera en los Estados Unidos. Él creyó que el cerebro es la “cosa más increíble en el universo.” Él conocía extensamente como para escribir historias de tipo de best-selling’s sobre sus pacientes y sus propios desórdenes y experiencias inusuales, con algunos de sus libros adaptados para las obras de los grandes dramaturgos, largometrajes, cortometrajes de animación, ópera, danza, bellas artes y obras musicales del género clásico.

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“No dejes que el ruido de las opiniones de otros apague tu propia voz interior.”~ Steve Jobs.

Publicado 5 Oct 2017, 1:41 pm

“EL FUNDAMENTO DE LA MÚSICA.” PARTE 8.

¿ME SIENTES?

Es casi estúpidamente obvio: por supuesto que sentimos lo que otras personas sienten, por lo menos hasta cierto punto. Si no fuese así, ¿por qué lloraríamos con una película o sonreiríamos al oír una canción de amor? La frontera entre lo que tu y yo sentimos es porosa. Que somos animales sociales está profundamente arraigado en nosotros y es lo que nos hace ser lo que somos. Nos consideramos individuos, pero hasta cierto punto no lo somos. Nos consideramos individuos, pero hasta cierto punto no lo somos, nuestras células están vinculadas al grupo por esas reacciones empáticas que hemos desarrollados hacia otros. Es un reflejo no solo emocional, sino social y físico también. Cuando alguien resulta herido «sentimos» su dolor. aunque no nos retorcemos de agonía. Y cuando un cantante echa la cabeza hacia atrás y entra en trance, entendemos eso también. Tenemos una imagen interna de lo que siente cuando su cuerpo adopta esa postura.

Las áreas de investigación del Dr. Large incluyen sistemas dinámicos no lineales, neurociencia auditiva y psicología de la música.

También personificamos sonidos abstractos. Podemos interpretar emociones cuando oímos los pasos de alguien. Los sentimientos sencillos —tristeza, alegría o enfado— son fácilmente detestables. Unas pisadas parecer un ejemplo obvio, pero muestran que conectamos todo tipo de sonidos a nuestras suposiciones sobre que emoción, sentimiento o sensación generó ese sonido.

El estudio de la UCLA proponía que la apreciación y el sentimiento de la música son profundamente dependientes de las neuronas espejo. Cuando miras, o simplemente escuchas, a alguien tocando con un instrumento, las neuronas asociadas con los músculos requeridos para tocar ese instrumento se activan. Al escuchar un piano, «sentimos» esos movimientos de manos y brazos, y tal como cualquier practicante de la ‘air guitar’ os dirá, cuando oyes o ves un solo apasionado, lo estás «tocando» tú también. ¿Tienes que saber tocar el piano para poder reflejarte en un pianista? El doctor Edward W. Large de la Florida Atlantic University hizo electroencefalogramas a gente con o sin experiencia musical mientras tocaban a Chopin.   

Continuará …     

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Biografia:

Las áreas de investigación del Dr. Large incluyen sistemas dinámicos no lineales, neurociencia auditiva y psicología de la música. Utiliza el modelado teórico en conjunto con las técnicas de comportamiento, comparativas, neurofisiológicas y de neuroimagen para entender cómo las personas responden a secuencias complejas y temporalmente estructuradas de sonido como la música y el habla. Él y sus colegas han sido pioneros en la idea de que la atención es un proceso dinámico e inherentemente rítmico. Él ha aplicado estas ideas para explicar la estructura rítmica de la música, y su interacción con la dinámica del cerebro. Sus actuales proyectos de investigación incluyen estudios de redes de osciladores no lineales, modelos cocleares no lineales, neurodinámica auditiva del tronco encefálico, dinámica cortical de la atención, percepción del ritmo en la música y el habla, percepción de la tonalidad en la música, reconocimiento y aprendizaje del patrón auditivo, y las interacciones rítmicas en primates no humanos.

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“La mayoría de la gente tiene experiencia en recordar palabras de canciones que han escuchado y las canciones son utilizadas a veces por profesores de idiomas con niños pequeños.” ~ Katie Very.

Publicado 28 Sep 2017, 1:34 pm

“EL FUNDAMENTO DE LA MÚSICA.” PARTE 7.

Música y Emoción.

Parece probable que hayamos desarrollado una capacidad de cifrar en modos no verbales información emocional en nuestra habla. Podemos distinguir inmediatamente, por el tono de la voz, si una persona esta enfadada, alegre, triste o fingiendo. Mucha de la información que captamos viene de la acentuación de tonos. de   «melodías» habladas y de los armónicas y el timbre de la voz. Esas cualidades nos dan tantas pistas emocionales como las palabras dichas. Que esos sonidos vocálicos correspondan a escalas e intervalos musicales, y que hayamos desarrollado melodías arraigadas en esas variaciones del habla, nos parece un salto muy grande.

¿ME SIENTES?

Este estudio proporciona la primera evidencia experimental de que un método de “escuchar y repetir” puede apoyar el aprendizaje de lenguas extranjeras. Katie Overy.

En un estudio en la UCLA, los neurologos Istvan Molnar Szakacs y Katie Every examination encefalogramas para ver qué neuronas se activaban en personas y monos que observaban a otras personas y a otros monos realizar acciones especificas o experimentar emociones especificas. Determinaron que un conjunto de neuronas en el observador «refleja» lo que ve en el observado. Si miras a un atleta, por ejemplo, las neuronas asociadas a los mismos músculos que el atleta está usando se activan. Nuestros músculos no se mueven, y, desafortunadamente, de ver como otra gente se esfuerza físicamente no resulta ejercicio efectivo alguno ni beneficio para la salud, pero las neuronas se comportan como si imitáramos al observado. Este efecto reflejo funciona también para las señales emocionales. Cuando vemos a alguien frunciendo el ceño o sonriendo, las neuronas asociadas a esos músculos faciales se activan, pero —y ésta es la parte significativa— las neuronas emocionales asociadas a esos sentimientos se disparan también. Los indicios visuales y auditivos activan neuronas empáticas. Cursi pero cierto: si sonríes harás feliz a la gente. Sentimos lo que la otra persona siente, quizá no tan fuerte o profundamente, pero la empatía parece estar incorporada en nuestro sistema neuronal. Se ha dicho que esta representación compartida (así es como la llaman los neurocientíficos) es esencial en cualquier tipo de comunicación. La capacidad de experimentar una representación compartida es nuestra manera de saber qué quiere transmitir otra persona, de qué está hablando. Sin ese medio de compartir referencias comunes, los seres humanos no podríamos comunicarnos.    

Continuará …     

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Biografia:

Katie Overy se graduó de la Facultad de Música de la Universidad de Edimburgo en 1995 y se dedicó a estudiar la psicología de la música con Eric Clarke en la Universidad de Sheffield. Su investigación doctoral examinó las dificultades de los niños disléxicos con la sincronización musical y el potencial de las lecciones de música basadas en el ritmo para apoyar el lenguaje de los niños disléxicos y las habilidades de alfabetización.

Mientras escribía su tesis doctoral, Katie pasó nueve meses en el Instituto Pedagógico Zoltan Kodaly de Música, Hungría, estudiando el enfoque de Kodaly para la educación musical. Posteriormente, pasó dos años como investigadora postdoctoral con Gottfried Schlaug en el Beth Israel Deaconess Medical Center y la Escuela de Medicina de Harvard, aprendiendo técnicas de fMRI y colaborando en varios estudios de neuroimagen de procesamiento musical.

Desde su regreso a la Universidad de Edimburgo en 2004, ha trabajado con Nigel Osborne y Peter Nelson para establecer el Instituto de Música en Desarrollo Humano y Social y el Programa de Maestría en Música en la Comunidad.

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